山色有无中：張洪关于色彩的探索: 陈霄 策展

FQM即将隆重推出張洪（Arnold Chang）「山色有无中：关于色彩的探索」个人特展，这也是艺术家自 1996 年以来在纽约的首次个展。在其五十年的艺术生涯中，張洪主要以中国传统文人画的方式创作水墨山水。而此次展出張洪过去十年的新作，标志了他将「色彩」通过个人视角融入山水画创作的全新方法。该展览由美国加州大学洛杉矶分校艺术史博士候选人、前纽约大都会艺术博物馆亚洲艺术部Sylvan C. Coleman and Pam Coleman纪念基金会访问研究员（2021-2023）陈霄（Joy Chen）策划。

展览将在FQM位于纽约65 East 80th Street的空间举行，开幕酒会时间为 2024年4月25日星期四下午 5:00 至 8:00。第一轮展览日期为4月25日至2024年5月25日，第二轮为5月28日至6月22日。 FQM亦计划于5月26日安排策展人陈霄与張洪进行艺术创作对谈并配合艺术家现场创作展示，以及于6月16日由曾与張洪共事十余年的前纽约苏富比古代书画部业务主管兼副总裁方献与張洪对谈，和大家分享纽约中国古代书画市场的历史。

大多数传统中国文人画受以书法入画的影响，一直将颜色作为笔墨描绘物象后的额外表达，而張洪则将笔墨线条与颜色晕染视为独立的组成部分。在此次展出的《秋景》（2023.02）和《山水》（2023.11）中，他通过并用不同的色块与水墨来塑造矾头与勾勒山体的不同面向。而树木和植被的巧妙安插与融合则引领着观者的视线，通过色彩晕染的搭配与其标志性的细腻而带有古意的笔触，让观者游走其间，仿佛置身于一个充满未知、兴奋且令人沉思的旅途中。在这些作品中，色彩与水墨紧密协作，创造出了和谐共鸣但在某种程度上又相互独立的峰峦。張洪在这里所展现的独创方式根植于其对中国艺术史中色彩知识的深刻认知以及他对古今中西审美原则的成熟理解。通过将「色彩」融入山水画的创作中，張洪继续挑战着并试图重新定义中国艺术在当代的意涵。

山色有无中：張洪关于色彩的探索

作者: 陈霄

「色彩！熟悉我作品的人或许会对我此次展出的这两幅作品中丰富的色彩而感到惊讶。虽然在我过去展出的作品当中绝大部分令人记忆深刻的都是以黑白色调为主的水墨山水，但是我热爱色彩！在这两幅近期作品中，我终于有机会将我对细腻笔触的欣赏以及对颜色的热爱结合在一起，或者说我至少朝这个目标又迈进了一步。」張洪（1954年出生）在他的作品《千变万化》于纽约「水墨：万花源季」首次展出时如是说。那还是2015年的初春（图 1)。

当然，这并不意味着中国艺术史中没有文人画家擅用色彩。如張洪经常谈到的王蒙（约1308-1385）、仇英（1494-1552）、王原祁（1642-1715）和石涛（1642-1707），都在山水画中展现出前所未有在色彩运用中的精湛技艺。我仍然清晰地记得与張洪在纽约大都会艺术博物馆观赏王原祁的手卷《辋川图》时，我们不只一次地被艺术家对色彩的理解和处理所震撼，尤其是他敢于运用那些经常被其他文人画家轻视的明艳色调（图 8）。他用浅绛通染山体，再以蓝绿交错的深染带出岩石的厚实感；间或在朴素的黄色背景上点缀一些类似石青、石绿的饱和色调。点景的红色枫树和深色柳树被巧妙地布置在山间，使人联想到钱选（1235-1305）那种质古的重彩技法。張洪同样也对仇英那些明艳的重彩绢本山水作品赞赏有加，其早年曾有《仿仇英山水》一件作于于2001年（图 9）。有意思的是，在创作过程中張洪并没有刻意地想起仇英。作品完成后，他却无法摆脱那种色彩与仇英的风格似是而非的感觉。正如張洪所言，诸如上述这些大师天生具有对色彩的理解能力，这或许也可能源自他们对墨的广泛运用，而墨本身即包含五色。然而，从这些零散的杰出人物中我们似乎无法看到连贯的色彩使用历史及传承。張洪对这种历来的忽视早有清醒的认识并希望有朝一日可以就此进行探寻。

当被问及为什么最近几年才开始将注意力转向色彩时，張洪深思片刻后回答道「基本上是因为我的作品变得更加成熟了。现在我对自己的笔墨更有信心了。当我开始探索更加抽象、自由的笔触，以及全向山水与自然的物像时，我意识到了就是现在。我认为可以将线条与[墨染]和色彩晕染区分开来了。因此，我开始思考鲍勃[库什纳]所说的，「从本质上来看，欣赏绘画的一种方式是让笔墨，线条引领你的目光；而西方则是通过色彩。」尤其是像马克·罗斯科（1903-1970）这样的西方艺术家，他们娴熟地运用色彩，通过简单的基础色调搭配让视觉兴奋起来（图 12）。这种关注色彩本身互动的观念与張洪对笔墨的强调在本质上一致。类似的表达方式也出现在石涛（1642-1707）为禹姓道士所画的山水册中（图 13）。在这开册页中，石涛进行了一次开创性的尝试，其流动的线条不仅具有强烈的表现力还描绘了山体的轮廓。内容在此并非首要；重要的是线条的结合赋予了作品生机并给予了不同诠释的可能。如今，張洪正试图融合线条与色彩这两个概念，使其在和谐或异步的节奏中同频。因为线条和色彩并不一定能始终合拍，所以导致了共振的干扰或中断，但正是这种张力增强了其山水作品的整体生动性。这完美地解释了他新系列作品瞬息万变的特性，但观众仍然可以通过色彩和水墨辨认出所描绘的山与水（图 14）。然而，当人们意识到那些舞动的线条和色彩是如何相互作用，并沉浸在结构本身的抽象特性和表现形式中时，这些山水可能会在瞬间消失不见。

另一方面，这种通过勾勒线条与色彩平染的方式赋予了張洪部分新作品一种令人愉悦的装饰感。那些熟悉王季迁的抽象艺术以及二人师徒关系的人，可能会注意到此概念上的相似之处（图 16）。王季迁将色彩和水墨相结合的愿景可以追溯至他在1930年代的一篇早期笔记中「梵高光艳，萨尚纳之沉着，谷根之古穆，颇有我国画法趣味，盖西画在十九世纪前重写实，如我国唐宋作品，后重写意，如我国元代画派，惟我国重笔墨，彼则重色彩，各有专诣，他日倘能合而为一，当足为世界画坛放一异彩也。」然而，王季迁的线条源自于他日常的书法练习，但張洪并无执念成为书法家，而是在其山水作品中保持了线条的松动与自由，选择了更为微妙的表达方式。他旨在保留传统中国山水艺术的本质，超越单纯的图像而将细致入微的巧思融入到山水本身中（图 15）。归根结底，山水画或许是唯一一个可以接纳各种自然纹理的艺术种类。此外，王季迁是将线条与平染融合在整幅作品中，与之非常不同，張洪如今的尝试则注重山水局部的色彩晕染。所以，他的新方法是一个过程，亦是扎根于中国文人山水画传统的个人抉择。